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[vc_row][vc_column width=”1/3″ animation=”wpb_bottom-to-top”][vc_column_text]Artistic Director: Tilman Kanitz
Music: Rashad Becker (UA), Lisa Bielawa, Sebastian Claren (UA), Franz Schubert, Salvatore Sciarrino, Pauline Oliveros

Solistenensemble Kaleidoskop[/vc_column_text][/vc_column][vc_column width=”2/3″ animation=”wpb_bottom-to-top” offset=”vc_hidden-xs”][vc_single_image image=”1085″ img_size=”full” add_caption=”yes”][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column width=”1/3″][/vc_column][vc_column width=”2/3″][vc_column_text]FORT/DA III

In the third part of the FORT/DA series, Tilman Kanitz goes back to the future. He refers to and remixes his piece Impossibility II from 2016. Unbox (Clear Skies Remix) is a labyrinth of sound and vision in which the audience wanders, gets lost and unexpectedly encounters the beauty of music by Salvatore Sciarrino, Lisa Bielawa, Franz Schubert, Sebastian Claren and Pauline Oliveros in fog chambers.

Tilman Kanitz works with the technique of remixing: The parameters of the concerto format are constantly rearranged. They are fossilised and fragmented, leading the audience to individual encounters with their own listening, thinking and perception of music. Before this journey into the unknown begins, the first part of the show features Rashad Becker’s music and a choreography by the performers: a pre-echo of what has not yet happened.

A project by Solistenensemble Kaleidoskop in cooperation with RADIALSYSTEM V and funded by the Senate Department for Culture and Europe.

Composition commissions to Rashad Becker and Sebastian Claren, funded by the Ernst von Siemens Music Foundation.[/vc_column_text][vc_column_text]

Retrospective by Martin Hufner, New Music Magazine, July 11, 2018
Complicity in the Fog – The Solistenensemble Kaleidoskop at Radialsystem V in Berlin

The Solistenensemble Kaleidoskop doesn’t perform “normal” concerts. It “performs.” That means it tailors its concert dramaturgy with precision to the works and their combination in spatial and acoustic contexts. Sometimes this works better, sometimes worse. At their evening performance “Fort / Da III – Unboxed (Clear Sky Remix)”, art-directed by Tilman Kanitz, everything fell into place.

The title is perhaps more confusing than clarifying. Still, it brings the concept into linguistic fashion and psychoanalytic branching (“Fort / Da” reference: Sigmund Freud, Beyond the Pleasure Principle), “Remix” (DJ culture), and “Unboxed” (the public unboxing of purchased or gifted items). You can engage with the performance even without deciphering the peculiar title.

At the beginning, the audience enters the large hall of Berlin’s Radialsystem V. White stools are scattered randomly throughout the space, along with a few chairs at the edges. The lighting is a neutral white, almost clinical, in an unadorned room.

Impulse
At the console stands Rashad Becker, premiering his work o.T. through loudspeakers. Scattered among the stools are several female musicians from the ensemble, physically resonating with the tangle of tonal and sonic impulses, moving their instruments to varying degrees. One waits—and is already immersed. The sounds themselves are also rather sober; you hear a hint of fundamental tonal grounding, and toward the end, the texture thins out. Microtonal beatings seem more preparatory than complete in themselves. As the piece fades, the musicians exit through a side door—not without signaling that the audience should follow. Something like fog seeps from the doorway.

Fog
Then you step through the door into a space illuminated again by white light from above and partly from the floor. A fog limits visibility to barely more than three meters, diffusing the light and making it soft—yet simultaneously eerie. The true size of the room becomes unknowable. Hanging from ceiling to floor are translucent white sheets, creating a maze-like structure. Coupled with the limited visibility, this can feel quite oppressive—perhaps even provoke claustrophobic sensations. But the balance of light and spatial impression seems right. Only the floor, made of dark-structured wood, might slightly disturb the concept.

In this space, one searches for something—or perhaps for nothing. People move as if in a liminal realm. A few stools can be spotted, here and there. Some people sit, some don’t. Some stand, lie down, or wander. After a brief period of (dis)orientation, Salvatore Sciarrino’s Ai limite della notte (1979) for solo viola (Ildikó Ludwig) begins to sound from somewhere: “At the Edge of the Night” — on the boundaries of the audible. On the edge of visibility. Breathing sounds (?) are heard from elsewhere. Footsteps from those still searching the space create their own peculiar rhythm. Nothing feels concrete; much remains vague.

Disintegration
Next, passages from Franz Schubert’s String Trio in B-flat major, D. 581, sound through the space, with the musicians spread out. The atmosphere becomes quiet and calm. These Schubert fragments, which disintegrate as they unfold (the music unravels), immediately bind the listener’s attention—and simultaneously frustrate it. This occurs about five times, with brief starts and sudden breakdowns of the Schubert material.

Then, Lisa Bielawa’s Finally (from Kafka Songs, 2001–2003) for voice and violin cuts sharply and playfully through the space. It has a folk-like character in this context, reminiscent of a hunt scene.

Focus
Loud string slaps mark the 30–45 minute-long world premiere of Sebastian Claren’s Saturn A for solo cello (Tilman Kanitz). A work involving a vast array of sound production techniques. Now, the evening’s concept fully coalesces: the fog, the curtains, the previous pieces—all of it changes the mode of listening. The acoustic focus shifts. Curiosity is unleashed in the audience, prompting them to move in search of the sound source. For others—like myself—it triggers a new kind of concentrated listening. It’s hard to say how much the fog alters the acoustics, but the piece becomes a study in extraordinary sound production on this instrument—one you might not even recognize as a cello without visual confirmation.

In contrast to the cello’s cultural-historical sound image, this piece fills the space with crunching, impulsive, and other unconventional sounds. It subtly ties back to Rashad Becker’s electroacoustic opening—intentionally or not, it doesn’t matter.

This concept works especially well when imagined in a traditional context: musician on stage, audience in seats. Such a confrontation would suggest voyeurism or a focus on virtuosity—present or absent. But in the foggy whiteness of Radialsystem, one feels like a complice of the music itself—if not part of it—in a different physical state, so to speak. That’s what it means when performance and work merge. And it works! The whole process becomes a kind of théâtre instrumental concret.

The transition to the next section begins during Claren’s piece, as the other musicians drag their bow frogs across the floor, tearing down parts of the space-defining curtains, reshaping the space with plastic bundles. Schubert’s trio returns, progressing slightly further and at a “proper” tempo, yet never fully realized—repeatedly breaking off—while another musician gleefully hops through the space, among her colleagues and the audience. Schubert’s music lives on afterward, until finally, the performers themselves begin to dance.

Complex Complices
Then, almost offhandedly, comes the ending: Pauline Oliveros’s Song for Margrit (1997) for voice. “I am listening to you” is the brief text of this piece, meant to react directly to the presence of the audience. Simple on the surface, yet it shows that the audience is indeed part of the staging. Its complicity is constructed by the dramaturgy and is indispensable—acoustically, through their movements; visually, as a walking sculpture in motion; even in the shadows cast on the curtains. The peculiar muffled nature of the space, in which people disappear and reappear, becomes a total product. Without the audience, from an “objective” bird’s-eye view, none of it would make sense. Everything came together.

Loud applause from the roughly 50-member audience for the musicians of the Solistenensemble Kaleidoskop, for the spatial concept (Tilman Kanitz, Arnaud Poumarat [also lighting], and Lyllie Rouvière [also choreography]), and for the entire team.

Currently Informed Music Practice
While many performances often feel like artificial overlays, the Solistenensemble Kaleidoskop’s productions are entirely thought through—everything is inseparably interwoven. The last 50 years have owed much to “historically informed performance practice,” but perhaps it’s time to speak of a “currently informed” one as well. Not as a rehash of the old, but as entirely new concert experiences. Without artificially imposed or historically warmed-over fuss. The way it was done at Radialsystem V with “Fort / Da III”—that’s how it could be.

— Deutsch —

Komplizenschaft im Nebel – Das Solistenensemble Kaleidoskop im Berliner Radialsystem V

Das Solistenensemble Kaleidoskop bestreitet keine „normalen“ Konzerte. Es „performt“. Das heißt, es setzt seine Konzertdramaturgie fein abgestimmt auf die Werke und ihre Kombination im räumlichen und klanglichen Zusammenhang ein. Das geht mal schlechter auf, mal besser. Bei ihrem Abend „Fort / Da III – Unboxed (Clear Sky Remix) “ hat alles gestimmt.

Wobei der Titel wahrscheinlich eher zu verwirren vermag, als dass er etwas klärte. In jedem Fall bringt er die Sache in sprachliche Mode und psychoanalytische Verästelungen („Fort / Da“-Bezug: Siegmund Freud, Jenseits des Lustprinzips), „Remix“ (DJ-Culture) und „Unboxed“ (Öffentliches Auspacken gekaufter oder geschenkter Gegenstände). Man kann auch ohne den eigenartigen Titel an die Sache herankommen.

Zu Anfang betritt das Publikum den großen Saal des Radialsystem V Berlin. Weiße Hocker stehen willkürlich angeordnet im Raum, auch ein paar Stühle am Rande. Nüchtern weißes, geradezu technisches Licht in einem ungeschmückten Raum.

Impuls

Am Pult steht Rashad Becker, der über die Lautsprecher sein Werk „o.T.“ zur Uraufführung bringt. Mittendrin im Sitzgewürfel auch einige Musikerinnen des Ensembles, sie schwingen körperlich in dem Ton- und Klangimpuls-Gewirr mit, bewegen die Instrumente dabei mehr oder weniger. Man wartet und ist mittendrin. Die Sounds sind ebenfalls eher nüchtern, ein bisschen hört man Grundtonbezogenheit, gegen Ende dünnt es aus, Schwebungen im mikrotonalen Bereich scheinen mehr zur Vorbereitung zu tönen, als für sich selbst. Nach dem Abklang verlassen die Musikerinnen den Raum durch eine Seitentür. Nicht, ohne Anzeichen zu geben, dass das Publikum doch folgen möge. Aus der Tür dringt dabei so etwas wie Nebel.

Nebel

Und dann geht man durch die Tür und steht in diesem Raum, der ebenfalls durch weißes Licht von oben und teilweise auch vom Boden her beleuchtet wird. Ein Nebel, der kaum eine Sicht von mehr als drei Metern zulässt dämpft das Licht, macht es diffus, weich und auch unheimlich zugleich. Die wirkliche Größe des Raumes ist auf diese Weise nicht erahnbar. Den Raum selbst teilen von der Decke bis auf den Boden hängende weiße, halbdurchsichtige Folien und erzeugen dabei das Gefühl einer labyrinthischen Raumstruktur. Zusammen mit der beschränkten Sichtweite kann das durchaus beklemmend wirken, vielleicht sogar klaustrophobische Gefühle auslösen. Offenbar stimmt aber die Lichtraumsicht-Dosis. Allein der Boden ist aus im Vergleich strukturiert dunklem Holz (denkbar, dass dies in letzter Konsequenz konzeptstörend wirkt). Man sucht in diesem Raum nach irgendetwas oder auch nichts. Die Menschen bewegen sich wie in einem Zwischenreich. Ein paar Hocker sind irgendwann und irgendwo auszumachen. Man setzt sich oder setzt sich nicht. Man steht, liegt oder geht. Nach einer kurzen (Des)Orientierungszeit erklingt von irgendwo Salvatore Sciarrino „Ai limite della notte“ von 1979 für Viola sola (Ildiko Ludwig): „An den Grenzen zur Nacht“ – an den Grenzen des Hörbereichs. An den Grenzen der Sichtbarkeit. Atemgeräusche (?) beschallen dazu von woanders. Der noch bei vielen durch den Raum suchende Trittschall erzeugt dazu einen eigensinnigen Rhythmus. Nichts wirkt konkret, vieles vage.

Zerfall

Danach kommen Passagen aus dem Streichtrio in B-Dur, D 581, von Franz Schubert zum Klingen, die Musikerinnen getrennt im Raum verteilt. Es wird still dabei und ruhig. Die Schubertpassagen, die im Laufe ihrer Existenz zerfallen (die Musik entfädelt sich), binden die Hörbereitschaft auf der Stelle stärker und enttäuschen sie zugleich. Es gibt etwa fünf mal so einen Kurzanlauf mit Zerfallskurve des Schubert-Textes mit gleichwohl plötzlichem Abbruch.

Dann durchbricht, im Tonfall pointiert, klangscharf Lisa Bielawas „Finally“ (aus Kafka-Songs) von 2001-2003 für Stimme und Violine den Raum. Ein spielerisches, in diesem Zusammenhang geradezu folkloristisch anmutendes Stück nach Art einer Jagdszene.

Fokus

Lautes Saitenschnalzen markiert die wohl zwischen 30 und 45 Minuten andauernde Uraufführung von Sebastian Clarens „Saturn A“ für Cello solo (Tilman Kanitz). Ein Stück bei dem eine Vielzahl von Tonerzeugungsvarianten mit im Spiel sind. Jetzt geht das Konzept des Abends komplett auf: Der Nebel und die Folien und die vorhergehenden Stücke führen zu einer veränderten  Hörweise – der akustische Brennpunkt verlagert sich. Gleichzeitig setzt es im Publikum Neugier frei und bringt es in Bewegung auf der Suche nach der Klangquelle. Bei anderen – wie mir – schafft es eine neue Art konzentrierten Hörens. Wie weit der Nebel dazu auch die Raumakustik verändert hat, ist schwer zu sagen. Das Stück ist eine Studie in außerordentlicher Klangerzeugung an diesem Instrument, das man, wenn man es nicht zugleich sieht, nicht zwingend als Cello erkennen würde. Gegen den Klang seiner instrumentalen Kulturgeschichte prägt es den Raum mal mit knirschenden, bald impulsartigen Passagen und allem, was sonst möglich ist. Und klammert sich damit dann eben doch an die elektroakustische Aufführung von Rashad Becker zu Beginn. Gewollt oder ungewollt: Einerlei.

Das Konzept geht gerade dann auf, wenn man sich dieses Stück im traditionellen Zusammenhang denken würde. Also mit Bühne für den Musiker und Saal für das Publikum. Die konfrontative Situation hätte etwas von Schaulustigkeit, von Fokussierung auf vorhandene oder abwesende Virtuosität. Im Nebelweiß des Radialsystems fühlt man sich aber eher als Komplize der Musik selbst, wenn nicht gar als ein Teil der selben – nur in einem anderen Aggregatzustand, wenn man so will. Das meint es wohl, wenn man sagt, Inszenierung und Werk verschmelzen. Und das ist gut! Das macht aus dem ganzen Vorgang ein „theatre instrumentale concrète“.

Den Übergang zur nächsten Passage erzeugen noch während Clarens Stück die anderen Musikerinnen, wenn sie den Instrumentenbogenfrosch über den Boden nach sich ziehen, während Teile der raumbildenden und -teilenden Folien heruntergerissen werden und als Plastikknäuel den Raum nun neu formen. Wieder ertönt das Streichtrio von Schubert, etwas weitergehend und im „richtigen“ Tempo, doch nie vollständig, immer wieder doch abbrechend, während eine weitere Musikerin vergnügt durch den Raum, die Musikerinnen und das Publikum hüpft. Die Musik Schuberts ist auch danach. So dass endlich eben auch die Musizierenden mittanzen.

Komplexe Komplizen

Fast lapidar dann zum Ende Pauline Oliveros „Song for Margrit (1997) für Stimme. „I am listening to you“ ist der kurze Text dieses Stücks, das in konkreter Reaktion auf die Anwesenheit des Publikums reagieren soll. Lapidar einerseits, andererseits doch anzeigend, dass das Publikum dann doch auch ebenso Teil der Inszenierung ist. Seine Komplizenschaft wird durch die Dramaturgie erzeugt und ist unabdingbar: Akustisch durch seine Bewegungen, optisch als eine in Bewegung seiende Schreitskulptur, auch im Schattenwurf an den Folien. Die eigenartige Gedämpftheit des Raumes, der die Menschen verschwinden und an anderer Stelle auftauchen lässt, wird zum Totalprodukt. Ohne Publikum, zum Beispiel in einer „objektiven“ Draufsicht, ergäbe das alles keinen Sinn. Es ist alles aufgegangen.

Großer Beifall beim etwa 50-köpfigen Publikum für die Musikerinnen des Solistenensembles Kaleidoskop, dem Raumkonzept (Tilman Kanitz, Arnaud Poumarat [auch Licht] und Lyllie Rouvière [auch Choreografie]) und dem ganzen Team.

„Aktuell informierte Musikpraxis“

Während man bei manchen Performances häufig genug das Gefühl hat, dass da eine Art Überstülpung probiert wird, ist bei den Aufführungen des Solistensensembles Kaleidoskop das alles im Ganzen gedacht, es ist alles untrennbar ineinandergewoben. Der „historisch informierten Aufführungspraxis“ hat man in den letzten 50 Jahren viel zu danken gehabt, es wäre nicht ganz falsch, stünde dem eine auch „aktuell informierte“ zur Seite. Gerade nicht als Aufguss alter, sondern ganz neuer Konzerterfahrungen. Ohne künstlich gesetztes oder historisch aufgewärmtes Brimborium. So wie im Radialsystem V bei „Fort / Da III“ könnte es sein.

Ein Projekt von Solistenensemble Kaleidoskop in Kooperation mit dem RADIALSYSTEM V.
Gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Europa. Kompositionsaufträge an Rashad Becker und Sebastian Claren, finanziert durch die Ernst von Siemens Musikstiftung.[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row]