Tilman Kanitz

Tag: 2017

  • Les Vers Luisants

    Les Vers Luisants

    [vc_row][vc_column width=”1/3″ animation=”wpb_bottom-to-top”][vc_column_text]Solistenensemble Kaleidoskop / verein .akut
    Music: Ludwig van Beethoven, Mark Andre, Sebastian Claren, Morton Feldman
    Artistic Director: Tilman Kanitz[/vc_column_text][/vc_column][vc_column width=”2/3″ animation=”wpb_bottom-to-top” offset=”vc_hidden-xs”][vc_single_image image=”296″ img_size=”full” add_caption=”yes”][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column width=”1/3″][/vc_column][vc_column width=”2/3″][vc_column_text]

    Les Vers Luisants

    Les Vers Luisants picks up where the Vienna version of Morgan Fisher’s film Screening Room (2012) leaves off: in a frontal close-up of a glowing, filmless screen.

    The Invisible Cinema of the Austrian Film Museum seems predestined for such a continuation of thought: the completely black space withdraws the reality of the cinema auditorium in favor of cinematic fiction—and its carrier, the white screen.

    The concert follows the concept of this space and itself becomes a cinematic event: the musicians perform off-screen, vanishing into the darkness. While the screen is subject to a temporary “image ban,” the assembled, cut, and edited music emerges from every corner of the cinema. All musical elements become potential acousmatic events, concealing their sources, playing with their causes.

    Live-performed, pre-produced, and post-produced material synthesizes into an audiovisual illusion—only to dismantle itself in the very same moment.

    The concert Les Vers Luisants is dedicated to Michel Chion, the French composer and theorist, and to the relics of his musique concrète. Under the direction of Tilman Kanitz, the empty screen of the Film Museum reveals how much it can contain: it speaks, it resonates, it glows.

    Program:

    • Morton Feldman: Projection 1 for violoncello (1950), world premiere of Version 1/3 (2017) by Sebastian Claren
    • Michel Chion: Les vers luisants (2014) from Filarium (with Lionel Marchetti and Jérôme Noetinger)
    • Ludwig van Beethoven: String Quartet in A minor, Op. 132 (1825)
    • Sebastian Claren: Sentimental journey on a g string (1998/2016)
    • Mark Andre: …zu… for string trio (2004)
    • Gérard Grisey: Prologue for solo viola (1976) from Espaces Acoustiques
    • Peter Ablinger: Weiss / Weisslich 17b – violin and noise (1995)
    • Michel Chion: The Audio-Logo-Visual in 100 Terms (1982–2011)

    Screening:
    Screening Room (Directed by Morgan Fisher, 16mm, b/w, 1968/2012)
    The camera traces the viewer’s path into the cinema and zooms into the screen lit with white light—a piece of expanded cinema created in site-specific versions by Morgan Fisher, including one for the Austrian Film Museum.

    Sound montage & lighting: Tilman Kanitz
    Concept & idea: Hangyeol Lie and Tilman Kanitz

    A co-production by the Austrian Film Museum, .akut – Association for Aesthetics and Applied Cultural Theory, and Wien Modern, with the kind support of the Institut Français Wien.

     

    Les Vers Luisants

    Les Vers Luisants setzt dort an, wo die Vienna Version von Morgan Fishers Film Screening Room aus dem Jahr 2012 endet: im frontalen Close-up einer leuchtenden, filmlosen Leinwand.

    Das Unsichtbare Kino des Österreichischen Filmmuseums scheint prädestiniert für ein solches Weiterdenken: Der ganz in Schwarz gehaltene Raum lässt die Realität des Kinosaals zurücktreten – zugunsten der filmischen Fiktion und ihrem Träger, der weißen Leinwand.

    Das Konzert folgt der Idee dieses Raums und wird darin selbst zu einem kinematografischen Ereignis: Die Musiker*innen spielen off-screen und verschwinden im Dunkel des Raums. Während auf der Leinwand ein zeitweiliges ‚Bilderverbot’ herrscht, tritt die montierte, geschnittene und editierte Musik aus allen Winkeln des Kinos hervor. Alle musikalischen Elemente werden zu potenziellen Akusmaten, die ihre Quelle verbergen, mit ihrer Ursache spielen. Live Gespieltes, Vorproduziertes und Nachproduziertes synthetisieren sich im Kino zur audiovisuellen Illusion, die sich im selben Moment wieder demontiert.

    Das Konzert Les Vers Luisants widmet sich dem französischen Komponisten und Theoretiker Michel Chion und den Relikten seiner Musique concrète. Unter der Regie von Tilman Kanitz zeigt die leere Leinwand des Filmmuseums, wie abendfüllend sie sein kann: Sie spricht, sie tönt, sie leuchtet auf.

    Morton Feldman: Projection 1 für Violoncello (1950), Uraufführung von Version 1/3 (2017) von Sebastian Claren
    Michel Chion: Les vers luisants (2014) aus Filarium (gemeinsam mit Lionel Marchetti und Jérôme Noetinger)
    Ludwig van Beethoven: Streichquartett a-moll op. 132 (1825)
    Sebastian Claren: Sentimental journey on a g string (1998/2016)
    Mark Andre: …zu… für Streichtrio (2004)
    Gérard Grisey: Prologue für Viola solo (1976) aus Espaces Acoustiques
    Peter Ablinger: Weiss / Weisslich 17b – Violine und Rauschen (1995)
    Michel Chion: Das Audio-Logo-Visuelle in einhundert Begriffen (1982–2011)

    Screening Room (Regie: Morgan Fisher, 16mm, s/w, 1968/2012)
    Die Kamera schlägt den Weg in den Kinosaal ein, den der Zuschauer eben genommen hat – und zoomt in die mit Weißlicht bestrahlte Leinwand. Ein Stück Expanded Cinema, dessen (wenige) Versionen Morgan Fisher für spezifische Kinos erstellt hat, so auch für das Österreichische Filmmuseum.

    Audiomontage/Licht: Tilman Kanitz

    Konzept und Idee: Hangyeol Lie und Tilman Kanitz

    Eine Koproduktion von Österreichisches Filmmuseum, .akut – Verein für Ästhetik und angewandte Kulturtheorie und Wien Modern mit freundlicher Unterstützung des Institut Français Wien.

    [/vc_column_text][/vc_column][/vc_row]

  • Transit 

    Transit 

    [vc_row][vc_column width=”1/3″ animation=”wpb_bottom-to-top”][vc_column_text]Solistenensemble Kaleidoskop
    Music: Chiyoko Szlavnivs, Dmitri Kourliandski, Sebastian Claren, Michael von Biel
    Director: Laurent Chétouane
    Musical Director: Tilman Kanitz[/vc_column_text][/vc_column][vc_column width=”2/3″ animation=”wpb_bottom-to-top” offset=”vc_hidden-xs”][vc_single_image image=”293″ img_size=”full” add_caption=”yes”][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column width=”1/3″][/vc_column][vc_column width=”2/3″][vc_column_text]

    Transit

    In collaboration with choreographer Laurent Chétouane and composers Chiyoko Szlavnics, Dmitri Kourliandski, and Sebastian Claren, Tilman Kanitz developed the concert format Transit for the Donaueschingen Festival 2017. Central to the conceptual work in advance was the question of the relationship between performers and their audience.

    Alongside the world premieres of new works by Szlavnics, Kourliandski, and Claren, Transit itself marked the premiere of an innovative concert format. Arising from the notion that music operates in a disorienting, three-dimensional way—treating spaces and bodies as fluid entities—Transit explores performative forms that move beyond the conventional frontal concert setup. The multidirectional practice envisioned in Transit conceives the complex collective of audience and musicians as a shared event of togetherness.

    Responding to the spatial potential of the Bartók Hall—a large multipurpose venue—the staging treats the audience as a cohesive body, rather than accommodating individual preferences. Laurent Chétouane devised various performance configurations and choreographed collective movements for the audience to navigate the thresholds between the musical works.

    Transit investigates space, music, and movement as threshold phenomena that open realms of thought. By breaking open the ritualized concert format, Transit poses a question to itself and its audience: How can individuals, as solitary stewards of their own territory, enter into an embodied, spatial self-awareness and reflection within a community of listeners? In this way, the spatial experience of music becomes, not least, a reflection on the conditions of living together.

    Concept: Laurent Chétouane, Tilman Kanitz
    Direction: Laurent Chétouane
    Musical Direction: Tilman Kanitz
    Space: Laurent Chétouane, Stefan Grießhaber
    Costumes: Sanna Dembowski
    Artistic Collaboration: Boram Lie

    Program:
    Michael von Biel – Quartet for Strings (1963)
    Chiyoko Szlavnics – Memory Spaces (appearances) for 14 strings (2017)
    Dmitri Kourliandski – Maps of Non-Existent Cities. Donaueschingen for 14 strings and video (2017)
    Sebastian Claren – Kaleidoskopvillemusik II for 14 strings (2017)

    Transit

    Tilman Kanitz hat in Zusammenarbeit mit dem Choreografen Laurent Chétouane und den KomponistInnen Chiyoko Szlavnics, Dmitri Kourliandski und Sebastian Claren das Konzertformat Transit für die Donaueschinger Musiktage 2017 erarbeitet. Bei den Überlegungen im Vorfeld spielte die Frage nach dem Verhältnis zwischen den PerformerInnen und ihrem Publikum eine wesentliche Rolle.

    Neben der Uraufführung von drei neuen Werken von Chiyoko Szlavnics, Dmitri Kourliandski und Sebastian Claren ist Transit somit auch die Uraufführung eines Konzertformates. Aus der Auffassung, dass Musik desorientierend und dreidimensional verfährt, Orte und Körper wie fließende Entitäten behandelt, ergibt sich ein Interesse an Spielformen, die über eine frontale Aufführungssituation hinausgehen. Die in Transit anvisierte, multidirektionale Konzertpraxis begreift die komplexe Gemeinschaft von Publikum und Musiker*innen als ein Ereignis des Zusammenseins.

    Innerhalb der räumlichen Konstellation, die das unspezifische Potential des Bartók Saals – einer großen Mehrzweckhalle – aufgreift, wird das Publikum als Masse, und nicht nach individuellen Wünschen, bewegt. Laurent Chétouane hat verschiedene Spielkonstellationen konzipiert und für die Schwellen zwischen den Musiken Gesamtbewegungen mit dem Publikum angelegt.

    Es geht in Transit darum, Raum, Musik und Bewegung als Schwellenphänomene zu befragen, die Gedankenräume entstehen lassen. Mit der Öffnung der ritualisierten Form des Konzertes stellt Transit sich und seinem Publikum die Frage: Wie ist es dem Menschen als vereinzelter Verwalterin eines Territoriums möglich, in eine Selbstwahrnehmung und Reflexion körperlich räumlicher Prozesse innerhalb einer Gemeinschaft der Hörenden einzutreten? Damit stellt sich die räumliche Erfahrung von Musik nicht zuletzt auch als eine Reflexion über das Zusammenleben von Menschen heraus.

    Konzept: Laurent Chétouane, Tilman Kanitz
    Regie: Laurent Chétouane
    Musikalische Leitung: Tilman Kanitz
    Raum: Laurent Chétouane, Stefan Grießhaber
    Kostüme: Sanna Dembowski
    Künstlerische Mitarbeit: Boram Lie

    Michael von Biel – Quartett für Streicher (1963)
    Chiyoko Szlavnics – Memory Spaces (appearances) für 14 Streichinstrumente (2017)
    Dmitri Kourliandski – Maps of non-existent cities. Donaueschingen für 14 Streicher und Video (2017)
    Sebastian Claren – Kaleidoskopvillemusik II für 14 Streicher (2017)

    [/vc_column_text][/vc_column][/vc_row]

  • Bajazzo Road Opera

    Bajazzo Road Opera

    [vc_row][vc_column width=”1/3″ animation=”wpb_bottom-to-top”][vc_column_text]by Ludger Engels, Tilman Kanitz, Thomas Mahmoud
    Music: Ruggero Leoncavallo, Tilman Kanitz, Thomas Mahmoud
    Director: Ludger Engels
    Musical Directors: Tilman Kanitz, Thomas Mahmoud

    Solistenensemble Kaleidoskop[/vc_column_text][/vc_column][vc_column width=”2/3″ animation=”wpb_bottom-to-top” offset=”vc_hidden-xs”][vc_single_image image=”769″ img_size=”full” add_caption=”yes” onclick=”link_image”][vc_column_text]

    Bajazzo Road Opera

    125 years after the premiere of Pagliacci (The Clowns), Ruggero Leoncavallo’s verismo opera receives a postdramatic reimagining—of all places, inside Berlin’s Kudamm Karree. Here, along the bustling Kurfürstendamm, a peculiar tangle of performed and lived realities collides: the layered histories of theatre and city, the silent decay of abandoned buildings, swarms of construction plans, dashed hopes and soaring promises for the future, the glitter of ostentatious consumerism, streams of wide-eyed tourists, and wary local residents—all interlocking and overlaying each other. It is precisely within this urban palimpsest that Bajazzo Road Opera by Ludger Engels, Tilman Kanitz, and Thomas Mahmoud unfolds.

    An Italian opera staple as raw material for Kaleidoskop—an ensemble renowned for its genre-blurring music projects?

    At its core, the story is brief and tragic: a play about jealousy collapses into real violence on the same stage—Pagliaccio, the tragic clown, murders the love of his life, his world in ruins. For audiences in 1892, this collision of everyday life with the theatre’s fictive realm was a shock, challenging the stage as a separate sphere of illusion. “The tears of the stage are false,” warns the Prologue.

    Bajazzo Road Opera takes up this rupture and transposes it into an abandoned shopping mall, transforming it into a musical performance that blurs the boundary between theatre and reality. Pagliaccio dissolves in a whirlpool of media and fragmented perception.

    Thomas Mahmoud serves as the voice and gaze of this lost figure—an exhausted, residual fragment. The performers of Solistenensemble Kaleidoskop each embody an emotional state within Pagliaccio’s shattered psyche. He encounters himself in these splinters like reflections in a hall of mirrors, drifting through corridors and hidden rooms in the Kudamm Karree, wandering Berlin’s night streets, unwillingly pulled into the underworld of feelings he neither understands nor controls—yet obeys. Pagliaccio remains his own greatest enigma and his own undoing.

    Unfolding slowly over extended sequences, Bajazzo Road Opera is a music-theatre gesamtkunstwerk that meanders for a total of 48 hours. The sonic and visual material generated during these performances forms the basis for an installation open to daytime visitors. Individual performances and video streams become modular building blocks from which each audience member can construct their own theatrical journey—welcoming those who drop in at various times to watch, listen, and feel, as well as those who choose to follow “on the road” with this modern troupe of itinerant clowns.

    Bajazzo Road Opera

    by Ludger Engels, Tilman Kanitz, Thomas Mahmoud

    Direction: Ludger Engels

    Musical Direction: Thomas Mahmoud, Tilman Kanitz

    Dramaturgy: Roland Quitt

    Costume Design: Pam Hogg / Couture

    Video Design: Rodrik Biersteker

    Sound Design: Ole Brolin, Florian Fischer

    Lighting & Technical Direction: Jurgen Kolb

    Assistant Director: Jan Maagh

    Costume Assistance: Nora Scheve

    Cameras: Eva Pisana, Stephan Talneau

    Design: Benjamin Pollach

    Photography: Sebastian Mayer

    Press & PR: k3 berlin – Kontor für Kultur und Kommunikation

    Music & Performance: Thomas Mahmoud, Solistenensemble Kaleidoskop

    Music: Ruggero Leoncavallo Pagliacci (1892), Tilman Kanitz, Thomas Mahmoud

    Solo Performance Music: Ludger Engels, Solistenensemble Kaleidoskop

    A production by Solistenensemble Kaleidoskop. Supported by Hauptstadtkulturfonds and the Berlin Senate Department for Culture and Europe.

     

    Bajazzo Road Opera

    125 Jahre nach der Uraufführung der Oper Pagliacci (Der Bajazzo) erfährt die veristische Oper von Ruggero Leoncavallo ausgerechnet im Berliner Kudamm Karree ein postdramatisches Update. Dort am Kurfürstendamm, wo sich gerade und wieder einmal gefühlte, gespielte und tatsächliche Realitäten – Theater- und Stadtgeschichte(n), die stille Ödnis des Verfalls und Massen von Bauplänen, enttäuschte Hoffnungen und hochfliegende Zukunftserwartungen, das Glitzern protzigen Konsums, staunende Touristenschwärme und zweifelnde Anwohner – ineinander verhaken und einander überlagern, nimmt Bajazzo Road Opera von Ludger Engels, Tilman Kanitz und Thomas Mahmoud ihren Ausgang.

    Ein Repertoireliebling der italienischen Oper als Spielmaterial von Kaleidoskop, wohlbekannt und renommiert für seine genreübergreifenden Musikprojekte?

    Die eigentliche Geschichte ist kurz und tragisch. Aus dem Eifersuchtstheaterspiel wird am selben Ort blutige Realität, der Bajazzo – der tragische Clown – tötet die Liebe seines Lebens, seine Existenz liegt in Trümmern. Der Einbruch der Alltagswelt auf die Bühne stellte für das damalige Publikum von Pagliacci Theater als getrennte Erlebenssphäre schockartig in Frage. „Die Tränen der Bühne sind falsch“, heißt es im Prolog.

    Bajazzo Road Opera greift diese Situation auf und transformiert sie in einer verlassenen Shopping Mall zu einer musikalischen Performance, die die Grenzen zwischen Theater und Wirklichkeit verwischt. Bajazzo löst sich auf im medialen Strudel.

    Thomas Mahmoud ist Stimme und Auge dieses Verlorenen, ein letztes, erschöpftes Fragment. Die PerformerInnen des Solistenensemble Kaleidoskop verkörpern jeweils einen emotionalen Zustand der zersplitterten Existenz der Figur des Bajazzo. Er begegnet sich in diesen Splittern wie im Spiegel, streift durch Gänge und Räume im Kudamm Karree, irrt über nächtliche Straßen der Stadt, gerät gegen seinen eigenen Willen in den Strudel der Unterwelt seiner Gefühle, die er nicht kennt – denen er aber gehorcht. Der Bajazzo ist sich selbst das größte Rätsel und wird sich selbst zuviel.

    Bajazzo Road Opera entfaltet sich langsam und über gedehnte Verläufe. Insgesamt 48 Stunden dauert dieses musiktheatral mäandernde Gesamtkunstwerk. Aus dem klanglichen und visuellen Material der Aufführungen entsteht eine Installation, die tagsüber besucht werden kann. Die einzelnen Performances und Videostreams sind die Module, aus denen sich das Publikum seine eigene theatrale Erlebniswelt zusammensetzen kann. Offen für Zuschauer, die zu unterschiedlichen Zeiten ein- oder mehrfach hereinschauen, hören und fühlen möchten, und für solche, die sich ‚on the road‘ begeben mit einer Truppe fahrender Komoödianten der Jetztzeit.

     

    Bajazzo Road Opera

    von Ludger Engels, Tilman Kanitz, Thomas Mahmoud

    Regie: Ludger Engels
    Musikalische Leitung: Thomas Mahmoud, Tilman Kanitz
    Dramaturgie: Roland Quitt
    Kostüm: Pam Hogg/Couture
    Videodesign: Rodrik Biersteker
    Sounddesign: Ole Brolin, Florian Fischer
    Licht und technische Leitung: Jurgen Kolb
    Regieassistenz: Jan Maagh
    Kostümmitarbeit und Assistenz: Nora Scheve
    Kameras: Eva Pisana, Stephan Talneau

    Gestaltung: Benjamin Pollach
    Fotografie: Sebastian Mayer
    Pressearbeit: k3 berlin – Kontor für Kultur und Kommunikation

    Musik und Performance: Thomas Mahmoud, Solistenensemble Kaleidoskop

    Musik: Ruggero Leoncavallo Pagliacci, 1892, Tilman Kanitz und Thomas Mahmoud

    Musik Soloperformances: Ludger Engels, Solistenensemble Kaleidoskop

    Eine Produktion von Solistenensemble Kaleidoskop. Gefördert durch den Hauptstadtkulturfonds und die Senatsverwaltung für Kultur und Europa.[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_empty_space height=”60px”][vc_column_text][/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column width=”1/3″][/vc_column][vc_column width=”2/3″][vc_column_text css=”.vc_custom_1550915477374{border-bottom-width: 1px !important;border-bottom-color: #000000 !important;border-bottom-style: solid !important;}”]Rehearsal 1 & 2[/vc_column_text][vc_row_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_wp_text][/vc_wp_text][/vc_column_inner][vc_column_inner width=”1/2″][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height=”30px”][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column width=”1/3″][/vc_column][vc_column width=”2/3″][vc_column_text css=”.vc_custom_1550915492657{border-bottom-width: 1px !important;border-bottom-color: #000000 !important;border-bottom-style: solid !important;}”]Teaser[/vc_column_text][vc_wp_text][/vc_wp_text][vc_wp_text][/vc_wp_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column width=”1/3″][/vc_column][vc_column width=”2/3″][/vc_column][/vc_row]

  • Staub II

    Staub II

    [vc_row][vc_column width=”1/3″ animation=”wpb_bottom-to-top”][vc_column_text]Solistenensemble Kaleidoskop / verein .akut
    Music: Franz Schubert, Iannis Xenakis, Helmut Lachenmann, Mark Andre, Georg Friedrich Haas
    Artistic Director: Tilman Kanitz[/vc_column_text][/vc_column][vc_column width=”2/3″ animation=”wpb_bottom-to-top” offset=”vc_hidden-xs”][vc_single_image image=”281″ img_size=”full” add_caption=”yes” onclick=”link_image”][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column width=”1/3″][/vc_column][vc_column width=”2/3″][vc_column_text]

    Staub II

    Excuse My Dust: de terrae fine

    The year 1816 entered European history as the “Year Without a Summer,” following the massive eruption of Mount Tambora in Indonesia the year before. A colossal ash cloud drifted as far as Europe, settling in the atmosphere and altering both the climate and the visible sky. Across much of Europe and North America, the rhythm of the seasons was disrupted—winter persisted, and snow fell in some regions even during the summer months. In the years of crop failures and famine that followed, Eighteen-hundred-and-froze-to-death became a haunting expression, and in Germany and Austria, these conditions, along with political restoration, intensified the cultural use of winter metaphors.

    Yet the volcanic dust in the sky brought not only prolonged cold but also a striking transformation of daylight. The European sky, veiled in fine ash, did not simply grow darker—sunrises and sunsets blazed with unusual intensity, and rare optical and meteorological phenomena such as sun dogs and “blood rain” were widely observed.

    The spectral presence of the “Year Without a Summer” can be felt in many works by artists of that era. Two centuries later, Excuse My Dust: de terrae fine projects these “sun dogs” onto the stage—echoing the imagery of Wilhelm Müller and Franz Schubert’s Winterreise: “Ah, you are not my suns; go stare at someone else’s face!” How might a post-volcanic natural state sound if rendered as a score?

    In collaboration with the Vienna-based .akut association, Solistenensemble Kaleidoskop performs Schubert’s late String Quintet in a way never heard before—backwards and retroactively, interwoven with works by Mark Andre, Georg Friedrich Haas, Iannis Xenakis, and Anton Webern.

    Excuse my dust is a voice from afar—put, so to speak, into the mouth of a volcano and made audible. Its eruptions appear colored: sometimes grey, sometimes whitish, sometimes black. If one touches its residue, it feels like tuff, stone, or sand. Translated into music, it resonates as noise, clusters, microtones.

    Program:
    Franz Schubert – String Quintet in C major, D 956 (IV: Allegretto) (1828)
    Mark Andre – E for solo cello (2012)
    Helmut Lachenmann – Toccatina. Study for solo violin (1986)
    Iannis Xenakis – Ittidra for string sextet (1996)
    Franz Schubert – String Quintet in C major, D 956 (III: Scherzo. Presto – Trio. Andante sostenuto) (1828)
    Georg Friedrich Haas – de terrae fine for solo violin (2001)
    Franz Schubert – String Quintet in C major, D 956 (I: Allegro ma non troppo) (1828)
    Franz Schubert – String Quintet in C major, D 956 (II: Adagio) (1828)
    Anton Webern – Six Bagatelles for String Quartet, op. 9 (1911–1913)

    Solistenensemble Kaleidoskop
    Concept: Tilman Kanitz and Han-Gyeol Lie
    Artistic Direction: Tilman Kanitz

    A production by .akut – Association for Aesthetics and Applied Cultural Theory and Solistenensemble Kaleidoskop, with the kind support of Erste Bank and in cooperation with Wien Modern.

    Excuse My Dust: de terrae fine

    Als Jahr ohne Sommer ist 1816 in die europäische Geschichte eingegangen, nachdem im Vorjahr in Indonesien der Vulkan Tambora ausgebrochen war. Eine gewaltige Aschewolke zog bis nach Europa, legte sich in die Atmosphäre und veränderte das Klima und die Sicht auf den Himmel. Der Rhythmus der Jahreszeiten war in weiten Teilen Europas und Nordamerikas gestört – Winter breitete sich aus, noch in den Sommermonaten fiel mancherorts Schnee. Achtzehnhundertunderfroren wurde in den folgenden Jahren der Missernten und Hungersnöte zu einem Begriff, der in Deutschland und Österreich auch vor dem Hintergrund der politischen Restauration den verstärkten Rekurs auf Wintermetaphern nahelegte.

    Doch der Vulkanstaub in der Atmosphäre hatte nicht nur eine ausgedehnte Periode der Kälte zufolge, er bewirkte auch eine eindrückliche Veränderung des Tageslichts. So wurde der Himmel über Europa durch den ungewöhnlichen Staubanteil in der Luft keineswegs nur düsterer, vielmehr färbten sich auch die Sonnenauf- und untergänge mit besonderer Intensität und seltene Licht- und Niederschlagsphänomene wie Nebensonnen und Blutregen wurden beobachtbar.

    Das Jahr ohne Sommer lässt sich in vielen Werken von Künstlern aus dieser Zeit erahnen. 200 Jahre später projiziert Excuse My Dust: de terrae fine Nebensonnen auf die Bühne, wie sie Wilhelm Müller und Franz Schubert in der Winterreise entwarfen: „Ach, meine Sonnen seid ihr nicht, schaut andern doch ins Angesicht!“. Wie könnten nachvulkanische Naturzustände klingen, wären sie als Partitur gesetzt?

    In Kooperation mit dem Wiener Verein .akut führt das Solistenensemble Kaleidoskop Schuberts spätes Streichquintett in nie gehörter Weise auf – rückwärts und rückwirkend, zwischen und verwoben mit Werken von Mark Andre, Georg Friedrich Haas, Iannis Xenakis und Anton Webern.

    Excuse my dust ist ein Ausspruch von weit her, einem Vulkan in dem Mund gelegt und hörbar gemacht. Sieht man seine Auswürfe, so färben sie sich: mal grau, mal weisslich, mal schwarz. Betastet man sein Material, so fühlen es sich an: wie Tuff, wie Stein, wie Sand. In Musik gesetzt erklingen sie wie: Rauschen, Cluster, Mikrotöne.

    Franz Schubert – Streichquintett C-Dur D 956 (IV: Allegretto) (1828)
    Mark Andre – E für Violoncello solo (2012)
    Helmut Lachenmann – Toccatina. Studie für Violine allein (1986)
    Iannis Xenakis – Ittidra für Streichsextett (1996)
    Franz Schubert – Streichquintett C-Dur D 956 (III: Scherzo. Presto – Trio. Andante sostenuto) (1828)
    Georg Friedrich Haas – de terrae fine für Violine solo (2001)
    Franz Schubert – Streichquintett C-Dur D 956 (I: Allegro ma non troppo) (1828)
    Franz Schubert – Streichquintett C-Dur D 956 (II: Adagio) (1828)
    Anton Webern – Sechs Bagatellen für Streichquartett op. 9 (1911–1913)

    Solistenensemble Kaleidoskop
    Konzept: Tilman Kanitz und Han-Gyeol Lie
    Künstlerische Leitung: Tilman Kanitz

    Eine Produktion von .akut – Verein für Ästhetik und angewandte Kulturtheorie und Solistenensemble Kaleidoskop mit freundlicher Unterstützung von Erste Bank, in Kooperation mit Wien Modern.[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row]

  • Staub I

    Staub I

    [vc_row][vc_column width=”1/3″ animation=”wpb_bottom-to-top”][vc_column_text]Solistenensemble Kaleidoskop / verein .akut
    Music: Franz Schubert, Iannis Xenakis, Helmut Lachenmann, Mark Andre, Georg Friedrich Haas
    Artistic Director: Tilman Kanitz[/vc_column_text][/vc_column][vc_column width=”2/3″ animation=”wpb_bottom-to-top” offset=”vc_hidden-xs”][vc_single_image image=”773″ img_size=”full” add_caption=”yes”][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column width=”1/3″][/vc_column][vc_column width=”2/3″][vc_column_text]

     

    Staub I

    Excuse My Dust: de terrae fine

    The year 1816 entered European history as the “Year Without a Summer,” following the massive eruption of Mount Tambora in Indonesia the year before. A colossal ash cloud drifted as far as Europe, settling in the atmosphere and altering both the climate and the visible sky. Across much of Europe and North America, the rhythm of the seasons was disrupted—winter persisted, and snow fell in some regions even during the summer months. In the years of crop failures and famine that followed, Eighteen-hundred-and-froze-to-death became a haunting expression, and in Germany and Austria, these conditions, along with political restoration, intensified the cultural use of winter metaphors.

    Yet the volcanic dust in the sky brought not only prolonged cold but also a striking transformation of daylight. The European sky, veiled in fine ash, did not simply grow darker—sunrises and sunsets blazed with unusual intensity, and rare optical and meteorological phenomena such as sun dogs and “blood rain” were widely observed.

    The spectral presence of the “Year Without a Summer” can be felt in many works by artists of that era. Two centuries later, Excuse My Dust: de terrae fine projects these “sun dogs” onto the stage—echoing the imagery of Wilhelm Müller and Franz Schubert’s Winterreise: “Ah, you are not my suns; go stare at someone else’s face!” How might a post-volcanic natural state sound if rendered as a score?

    In collaboration with the Vienna-based .akut association, Solistenensemble Kaleidoskop performs Schubert’s late String Quintet in a way never heard before—backwards and retroactively, interwoven with works by Mark Andre, Georg Friedrich Haas, Iannis Xenakis, and Anton Webern.

    Excuse my dust is a voice from afar—put, so to speak, into the mouth of a volcano and made audible. Its eruptions appear colored: sometimes grey, sometimes whitish, sometimes black. If one touches its residue, it feels like tuff, stone, or sand. Translated into music, it resonates as noise, clusters, microtones.

    Program:
    Franz Schubert – String Quintet in C major, D 956 (IV: Allegretto) (1828)
    Mark Andre – E for solo cello (2012)
    Helmut Lachenmann – Toccatina. Study for solo violin (1986)
    Iannis Xenakis – Ittidra for string sextet (1996)
    Franz Schubert – String Quintet in C major, D 956 (III: Scherzo. Presto – Trio. Andante sostenuto) (1828)
    Georg Friedrich Haas – de terrae fine for solo violin (2001)
    Franz Schubert – String Quintet in C major, D 956 (I: Allegro ma non troppo) (1828)
    Franz Schubert – String Quintet in C major, D 956 (II: Adagio) (1828)
    Anton Webern – Six Bagatelles for String Quartet, op. 9 (1911–1913)

    Solistenensemble Kaleidoskop
    Concept: Tilman Kanitz and Han-Gyeol Lie
    Artistic Direction: Tilman Kanitz

    A production by .akut – Association for Aesthetics and Applied Cultural Theory and Solistenensemble Kaleidoskop, with the kind support of Erste Bank and in cooperation with Wien Modern.

    Excuse My Dust: de terrae fine

     

    Als Jahr ohne Sommer ist 1816 in die europäische Geschichte eingegangen, nachdem im Vorjahr in Indonesien der Vulkan Tambora ausgebrochen war. Eine gewaltige Aschewolke zog bis nach Europa, legte sich in die Atmosphäre und veränderte das Klima und die Sicht auf den Himmel. Der Rhythmus der Jahreszeiten war in weiten Teilen Europas und Nordamerikas gestört – Winter breitete sich aus, noch in den Sommermonaten fiel mancherorts Schnee. Achtzehnhundertunderfroren wurde in den folgenden Jahren der Missernten und Hungersnöte zu einem Begriff, der in Deutschland und Österreich auch vor dem Hintergrund der politischen Restauration den verstärkten Rekurs auf Wintermetaphern nahelegte.

    Doch der Vulkanstaub in der Atmosphäre hatte nicht nur eine ausgedehnte Periode der Kälte zufolge, er bewirkte auch eine eindrückliche Veränderung des Tageslichts. So wurde der Himmel über Europa durch den ungewöhnlichen Staubanteil in der Luft keineswegs nur düsterer, vielmehr färbten sich auch die Sonnenauf- und untergänge mit besonderer Intensität und seltene Licht- und Niederschlagsphänomene wie Nebensonnen und Blutregen wurden beobachtbar.

    Das Jahr ohne Sommer lässt sich in vielen Werken von Künstlern aus dieser Zeit erahnen. 200 Jahre später projiziert Excuse My Dust: de terrae fine Nebensonnen auf die Bühne, wie sie Wilhelm Müller und Franz Schubert in der Winterreise entwarfen: „Ach, meine Sonnen seid ihr nicht, schaut andern doch ins Angesicht!“. Wie könnten nachvulkanische Naturzustände klingen, wären sie als Partitur gesetzt?

    In Kooperation mit dem Wiener Verein .akut führt das Solistenensemble Kaleidoskop Schuberts spätes Streichquintett in nie gehörter Weise auf – rückwärts und rückwirkend, zwischen und verwoben mit Werken von Mark Andre, Georg Friedrich Haas, Iannis Xenakis und Anton Webern.

    Excuse my dust ist ein Ausspruch von weit her, einem Vulkan in dem Mund gelegt und hörbar gemacht. Sieht man seine Auswürfe, so färben sie sich: mal grau, mal weisslich, mal schwarz. Betastet man sein Material, so fühlen es sich an: wie Tuff, wie Stein, wie Sand. In Musik gesetzt erklingen sie wie: Rauschen, Cluster, Mikrotöne.

    Franz Schubert – Streichquintett C-Dur D 956 (IV: Allegretto) (1828)
    Mark Andre – E für Violoncello solo (2012)
    Helmut Lachenmann – Toccatina. Studie für Violine allein (1986)
    Iannis Xenakis – Ittidra für Streichsextett (1996)
    Franz Schubert – Streichquintett C-Dur D 956 (III: Scherzo. Presto – Trio. Andante sostenuto) (1828)
    Georg Friedrich Haas – de terrae fine für Violine solo (2001)
    Franz Schubert – Streichquintett C-Dur D 956 (I: Allegro ma non troppo) (1828)
    Franz Schubert – Streichquintett C-Dur D 956 (II: Adagio) (1828)
    Anton Webern – Sechs Bagatellen für Streichquartett op. 9 (1911–1913)

    Solistenensemble Kaleidoskop
    Konzept: Tilman Kanitz und Han-Gyeol Lie
    Künstlerische Leitung: Tilman Kanitz

    Eine Produktion von .akut – Verein für Ästhetik und angewandte Kulturtheorie und Solistenensemble Kaleidoskop mit freundlicher Unterstützung von Erste Bank, in Kooperation mit Wien Modern.

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  • Khaos

    Khaos

    [vc_row][vc_column width=”1/3″ animation=”wpb_bottom-to-top”][vc_column_text]Music: J.S. Bach, Wolfgang Rihm, John Cage
    Choreographer: Laurent Chétouane[/vc_column_text][/vc_column][vc_column width=”2/3″ animation=”wpb_bottom-to-top” offset=”vc_hidden-xs”][vc_single_image image=”1087″ img_size=”full” add_caption=”yes”][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column width=”1/3″][/vc_column][vc_column width=”2/3″][vc_column_text]

    KHAOS

    Today, the present is synonymous with crisis. Chaos no longer appears merely as a state of exception but as an equally threatening and seemingly inevitable “model” for the future. Chaos evokes fear. Yet in contrast to this modern notion of pure threat, Khaos in ancient Greek thought is a far more ambivalent figure. It gathers multiple layers of meaning: a yawning void, a cleft, a chasm, an abyss—but also the horizon of expansion, the immeasurable, the rupture or opening. As a formless form and a striving toward something other than what already is, Khaos invokes dimensions of emergence, possibility, and renewal.

    In KHAOS, Laurent Chétouane brings together four dancers and three musicians to explore the possibilities of Khaosat the edge of chaos itself. The performance unfolds to music by Johann Sebastian Bach, Wolfgang Rihm, and John Cage—composers whose works resonate with an affinity for the uncontrollable. These turbulence zones within and between the musical pieces become the point of departure for the emergence of unstable, threatening, and destructive spaces to which both performers and audience are equally exposed.

    The traditional vertical axis of dance loses its visually organizing force; in these spaces—lacking fixed vectors and coordinates—the floor becomes the only point of support. Exposed to the possibility of falling, to loss, fear, and grief, dance evolves into an autonomous act of doing and becoming—a state without goal or predictable timeline. In this state, the body must discover new relations: to the Other, to the space, and to itself, in order not to be entirely consumed by blind and disparate forces or the contingency of openness.

     

    KHAOS thus tests the danger of the dissolution of order in a single world through chaos as a field of play for the creation of multiple worlds.

    Dance: Kotomi Nishiwaki, Tilman O’Donnell, Mikael Marklund
    Music: Mathias Halvorsen (piano), Tilman Kanitz (cello), Artiom Schischkow (violin)
    Choreography: Laurent Chétouane with the dancers
    Musical Concept: Laurent Chétouane with the musicians and Johann Günther
    Lighting: Jan Maertens
    Costume Design: Lydia Sonderegger
    Sound: Johann Günther
    Dramaturgy: Marten Weise
    Choreography Assistant: Sarah Blumenfeld
    Costume Assistant: Anna Philippa Müller
    Production: Christine Kammer, Hendrik Unger

    Special thanks to Jean-Luc Nancy and Jean-François Peyret for their dramaturgical guidance and counsel.

    A production by KHAOS GbR, co-produced with the Onassis Cultural Centre Athens, HAU Hebbel am Ufer Berlin, Kaaitheater Brussels, and Kampnagel Hamburg. Supported by the German Federal Cultural Foundation and the Basic Funding Berlin / The Governing Mayor of Berlin – Senate Chancellery – Cultural Affairs. With additional support from DOCK 11 / Eden***** Berlin.

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    KHAOS

    Gegenwart heißt heute Krise. Das Chaos scheint nicht mehr nur Ausnahmezustand zu sein, sondern ein gleichermaßen bedrohliches wie unvermeidliches ‚Modell‘ für die Zukunft. Chaos macht Angst. Der Vorstellung einer ausschließlichen Bedrohung gegenüberstehend, ist das Khaos in der griechischen Antike eine ambivalentere Figur. Es versammelt unterschiedlichste Bedeutungsebenen: Gähnen, Kluft, Schlund, Abgrund. Aber es benennt auch den Horizont von Ausdehnung, Unermesslichkeit, Aufbrechen oder Öffnung. Als formlose Form und Streben in Richtung eines Anderen als es schon ist, ruft Khaos die Dimensionen des Entstehens, des Möglichen, der Erneuerung auf.

    In KHAOS versammelt Laurent Chétouane vier TänzerInnen und drei Musiker zur Erkundung der Möglichkeiten des Khaos am Rande des Chaos. Auf der Bühne erklingt Musik von Johann Sebastian Bach, Wolfgang Rihm und John Cage, die eine Affinität zum Unkontrollierbaren aufweist. Die Turbulenzzonen in und zwischen den Musikstücken sind Ausgangspunkt der Entstehung instabiler, bedrohlicher, zerstörerischer Räume, denen PerformerInnen und ZuschauerInnen gleichermaßen ausgesetzt sind. Die traditionelle vertikale Achse des Tanzes verliert ihre visuell-ordnende Kraft und Halt bietet in diesen Räumen, ohne feste Vektoren und Koordinaten, nur noch der Boden. Der Möglichkeit des Sturzes, des Verlusts, der Angst und der Trauer ausgesetzt, wird der Tanz zu einem selbstständigen Tun und Werden, einem Zustand ohne Ziel oder planbare Zeitachse. Es entsteht dabei ein Körper, der neue Verhältnisse zum Anderen, zum Raum, zu sich selbst entdecken muss, um den blinden und disparaten Kräften, einer kontingenten Offenheit nicht ganz zum Opfer zu fallen. Die Gefahr einer Auflösung von Ordnung der einen Welt durch das Chaos wird in KHAOS als Spielraum der Schaffung multipler Welten erprobt.

    Tanz: Kotomi Nishiwaki, Tilman O’Donnell, Mikael Marklund
    Musik: Mathias Halvorsen (Klavier), Tilman Kanitz (Violoncello), Artiom Schischkow (Violine)
    Choreografie: Laurent Chétouane mit den Tänzern
    Musikalisches Konzept: Laurent Chétouane mit den Musikern und Johann Günther
    Licht: Jan Maertens
    Kostüm: Lydia Sonderegger
    Ton: Johann Günther
    Dramaturgie: Marten Weise
    Assistentin Choreographie: Sarah Blumenfeld
    Assistenz Kostüm: Anna Philippa Müller
    Produktion: Christine Kammer, Hendrik Unger

    Wir danken Jean-Luc Nancy und Jean-François Peyret für ihre dramaturgische Unterstützung und ihren Rat.

    Eine Produktion der KHAOS GbR in Koproduktion mit dem Onassis Kulturzentrum Athen, HAU Hebbel am Ufer Berlin, dem Kaaitheater Brüssel und Kampnagel Hamburg.
    Gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes und die Basisförderung Berlin / Der Regierende Bürgermeister Berlin – Senatskanzlei – Kulturelle Angelegenheiten.
    Mit Unterstützung von DOCK 11 / Eden *****, Berlin.[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row]